amerikanske artister. 7 mestere som overrasket verden

Amerikanske artister er veldig forskjellige. Noen var en tydelig kosmopolit, som Sargent. Han er amerikaner av opphav, men har bodd i London og Paris nesten hele sitt voksne liv.

Det er også autentiske amerikanere blant dem, som skildret livet til kun sine landsmenn, som Rockwell.

Og det finnes artister utenom denne verden, som Pollock. Eller de hvis kunst har blitt et produkt av forbrukersamfunnet. Dette handler selvfølgelig om Warhol.

Imidlertid er de alle amerikanere. Frihetselskende, dristig, lys. Les om syv av dem nedenfor.

1. James Whistler (1834–1903)

Whistler kan knapt kalles en ekte amerikaner. Da han vokste opp, bodde han i Europa. Og han tilbrakte barndommen i det hele tatt ... i Russland. Faren bygde en jernbane i St. Petersburg.

Det var der gutten James ble forelsket i kunst, og besøkte Hermitage og Peterhof takket være farens forbindelser (da var de fortsatt palasser stengt for publikum).

Hvorfor er Whistler kjent? Uansett hvilken stil han maler, fra realisme til tonalisme*, kan han nesten umiddelbart gjenkjennes på to trekk. Uvanlige farger og musikalske navn.

Noen av portrettene hans er imitasjoner av gamle mestere. Som for eksempel hans kjente portrett «The Artist's Mother».

Kunstneren har skapt fantastiske arbeider med farger som spenner fra lysegrå til mørkegrå. Og noen gule.

Men dette betyr ikke at Whistler likte slike farger. Han var en ekstraordinær person. Han kunne lett dukke opp i samfunnet i gule sokker og med en lys paraply. Og dette er når menn kun kledde seg i svart og grått.

Han har også mye lettere verk enn «Mor». For eksempel Symfoni i hvitt. Så bildet ble oppringt av en av journalistene på utstillingen. Whistler likte ideen. Siden den gang kalte han nesten alle verkene sine på en musikalsk måte.

Men så, i 1862, likte ikke publikum symfonien. Igjen, på grunn av Whistlers idiosynkratiske fargevalg. Det virket rart for folk å skrive en kvinne i hvitt på hvit bakgrunn.

På bildet ser vi Whistlers rødhårede elskerinne. Helt i prerafaelittenes ånd. Tross alt var kunstneren venn med en av de viktigste initiativtakerne til prerafaelismen, Gabriel Rossetti. Skjønnhet, liljer, uvanlige elementer (ulveskinn). Alt er som det skal være.

Men Whistler beveget seg raskt bort fra prerafaelismen. Siden det ikke var ytre skjønnhet som var viktig for ham, men humør og følelser. Og han skapte en ny retning - tonalisme.

Nocturne-landskapene hans i stil med tonalisme ser virkelig ut som musikk. Monokrom, viskøs.

Whistler sa selv at musikalske navn bidrar til å fokusere på selve maleriet, linjer og farge. Samtidig uten å tenke på stedet og menneskene som er avbildet.

Tonalisme, så vel som nær det impresjonisme, på midten av 19-tallet var heller ikke publikum imponert. For langt fra realismen som var populær på den tiden.

Men Whistler vil ha tid til å vente på anerkjennelse. Ved slutten av livet hans vil arbeidet hans bli villig kjøpt.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt ble født inn i en velstående familie. Hun kunne leve et bekymringsløst liv. Gift deg og få barn. Men hun valgte en annen vei. Etter å ha gitt seg selv et sølibatløfte for maleriets skyld.

Hun var venn med Edgar Degas. Fikk på onsdag impresjonister, for alltid revet med av denne retningen. Og hennes "Girl in a Blue Armchair" er det første impresjonistiske verket som publikum så.

Men ingen likte egentlig bildet. På 19-tallet ble barn avbildet som lydig sittende engler, med krøllede krøller og rosenrøde kinn. Og her er et barn som tydeligvis kjeder seg, sitter i en for avslappet stilling.

Men det var Mary Cassatt, som aldri fikk sine egne barn, som nesten var den første til å fremstille dem så naturlige som de er.

For den tiden hadde Cassatt en alvorlig "feil". Hun var en kvinne. Hun hadde ikke råd til å gå alene til parken for å male fra naturen. Spesielt for å gå på kafé der andre artister samlet seg. Alle menn! Hva var igjen til henne?

Skriv monotone teselskaper for kvinner i stuer med marmorpeiser og dyre teserviser. Livet er avmålt og uendelig kjedelig.

Mary Cassatt ventet ikke på anerkjennelse. Først ble hun avvist for sin impresjonisme og angivelig uferdige malerier. Da, allerede på 20-tallet, var den kraftig "utdatert", siden jugendstil var på mote (Klimt) og fauvisme (Matisse).

Men hun forble tro mot stilen til det siste. Impresjonisme. Myk pastell. Mødre med barn.

For maleriets skyld forlot Cassatt morsrollen. Men hennes femininitet ble i økende grad manifestert nettopp i så delikate verk som Sleeping Child. Det er synd at et konservativt samfunn en gang satte henne foran et slikt valg.

3. John Sargent (1856–1925)

John Sargent var sikker på at han ville være portrettmaler hele livet. Karrieren gikk bra. Aristokrater stilte seg i kø for å beordre ham.

Men en gang krysset kunstneren linjen etter samfunnets oppfatning. Det er nå vanskelig for oss å forstå hva som er så uakseptabelt i filmen «Madame X».

Riktignok hadde heltinnen i den originale versjonen utelatt en av bralettene. Sargent «oppdro» henne, men dette hjalp ikke på saken. Ordrer har blitt til ingenting.

Hva uanstendig så publikum? Og det faktum at Sargent portretterte modellen i en selvsikker positur. Dessuten er gjennomsiktig hud og et rosa øre veldig veltalende.

Bildet sier så å si at denne kvinnen med økt seksualitet ikke er uvillig til å akseptere frieriet til andre menn. Dessuten å være gift.

Dessverre, bak denne skandalen, så ikke samtidige mesterverket. Mørk kjole, lys hud, dynamisk positur - en enkel kombinasjon som bare kan finnes av de mest talentfulle mesterne.

Men det er ikke noe ondt uten det gode. Sargent fikk frihet til gjengjeld. Han begynte å eksperimentere mer med impresjonisme. Skriv barn i umiddelbare situasjoner. Slik dukket verket "Carnation, Lily, Lily, Rose" ut.

Sargent ønsket å fange et spesifikt øyeblikk av skumring. Så jeg jobbet bare 2 minutter om dagen når belysningen var riktig. Jobbet sommer og høst. Og når blomstene visnet, erstattet han dem med kunstige.

I løpet av de siste tiårene ble Sargent så inn i smaken av frihet at han begynte å forlate portretter helt. Selv om ryktet hans allerede er gjenopprettet. Han avskjediget til og med en klient frekt og sa at han ville male porten hennes med stor glede enn ansiktet hennes.

Samtidige behandlet Sargent med ironi. Vurderer det som foreldet i modernismens tidsalder. Men tiden satte alt på sin plass.

Nå er arbeidet hans ikke mindre verdt enn arbeidet til de mest kjente modernistene. Vel, enn si kjærligheten til publikum og si ingenting. Utstillinger med hans arbeider er alltid utsolgt.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Det er vanskelig å forestille seg en mer populær artist i løpet av hans levetid enn Norman Rockwell. Flere generasjoner amerikanere vokste opp på illustrasjonene hans. Elsker dem av hele mitt hjerte.

Rockwell portretterte tross alt vanlige amerikanere. Men samtidig vise livene deres fra den mest positive siden. Rockwell ønsket ikke å vise verken onde fedre eller likegyldige mødre. Og du vil ikke møte ulykkelige barn med ham.

Arbeidene hans er fulle av humor, saftige farger og uttrykk veldig dyktig fanget fra livet.

Men det er en illusjon at arbeidet ble gitt til Rockwell enkelt. For å lage ett maleri tok han først opptil hundre bilder med modellene sine for å fange de riktige bevegelsene.

Rockwells arbeid har hatt en enorm innvirkning på hodet til millioner av amerikanere. Tross alt snakket han ofte ved hjelp av maleriene sine.

Under andre verdenskrig bestemte han seg for å vise hva soldatene i landet hans kjempet for. Etter å ha laget blant annet maleriet «Freedom from Want». I form av Thanksgiving, hvor alle familiemedlemmer, velnærede og fornøyde, nyter familieferien.

Etter 50 år på Saturday Evening Post, flyttet Rockwell til det mer demokratiske magasinet Look, hvor han kunne uttrykke sine synspunkter på sosiale spørsmål.

Det lyseste verket i disse årene er "Problemet vi lever med".

Dette er den sanne historien om en svart jente som gikk på en hvit skole. Siden det ble vedtatt en lov om at mennesker (og dermed utdanningsinstitusjoner) ikke lenger skulle deles etter rasemessige linjer.

Men innbyggernes sinne kjente ingen grenser. På vei til skolen ble jenta bevoktet av politiet. Her er et slikt "rutinemessig" øyeblikk og viste Rockwell.

Hvis du vil kjenne amerikanernes liv i et litt pyntet lys (som de selv ønsket å se det), må du huske å se på Rockwells malerier.

Kanskje, av alle malerne som presenteres i denne artikkelen, er Rockwell den mest amerikanske kunstneren.

5. Andrew Wyeth (1917–2009)

I motsetning til Rockwell var ikke Wyeth like positiv. En eneboer av natur, han søkte ikke å pynte på noe. Tvert imot, han skildret de mest vanlige landskap og unremarkable ting. Bare en hveteåker, bare et trehus. Men han klarte til og med å titte noe magisk i dem.

Hans mest kjente verk er Christinas verden. Wyeth viste skjebnen til en kvinne, hans nabo. Etter å ha vært lam siden barndommen krøp hun rundt i området rundt gården sin.

Så det er ikke noe romantisk i dette bildet, slik det kan virke med det første. Hvis du ser nøye etter, har kvinnen smertefull tynnhet. Og vel vitende om at heltinnens ben er lammet, forstår du med sorg hvor langt hun fortsatt er langt hjemmefra.

Ved første øyekast skrev Wyeth det mest dagligdagse. Her er det gamle vinduet i det gamle huset. En shabby gardin som allerede har begynt å bli til filler. Utenfor vinduet mørkner skogen.

Men det er noe mystikk i alt dette. Et annet utseende.

Så barn er i stand til å se på verden med et uhindret blikk. Det gjør Wyatt også. Og vi er med ham.

Alle Wyeths saker ble håndtert av hans kone. Hun var en god arrangør. Det var hun som tok kontakt med museer og samlere.

Det var lite romantikk i forholdet deres. Musikken måtte dukke opp. Og hun ble en enkel, men med et ekstraordinært utseende Helga. Dette er det vi ser i mange verk.

Det ser ut til at vi bare ser et fotografisk bilde av en kvinne. Men av en eller annen grunn er det vanskelig å løsrive seg fra det. Øynene hennes er for komplekse, skuldrene er anspente. Vi sliter liksom internt med henne. Sliter med å finne en forklaring på denne spenningen.

Wyeth skildrer virkeligheten i alle detaljer, og ga henne på magisk vis følelser som ikke kan forlate henne likegyldig.

Kunstneren ble ikke anerkjent på lenge. Med sin realisme, om enn magisk, passet han ikke inn i de modernistiske trendene på 20-tallet.

Da museumsarbeidere kjøpte verkene hans, prøvde de å gjøre det stille, uten å vekke oppmerksomhet. Utstillinger ble sjelden arrangert. Men til modernistenes misunnelse har de alltid vært en dundrende suksess. Folk kom i hopetall. Og de kommer fortsatt.

Les om artisten med artikkelen Christines verden. Andrew Wyeths mesterverk."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock er umulig å ignorere. Han krysset en viss grense i kunsten, hvoretter maleriet ikke kunne være det samme. Han viste at i kunst generelt kan man klare seg uten grenser. Da jeg la lerretet på gulvet og sprutet det med maling.

Og denne amerikanske kunstneren begynte med abstraksjonisme, der det figurative fortsatt kan spores. I hans arbeid fra 40-tallet "Shorthand Figure" ser vi konturene av både ansiktet og hendene. Og til og med forståelige for oss symboler i form av kryss og nuller.

Arbeidet hans ble berømmet, men de hadde ikke hastverk med å kjøpe. Han var fattig som en kirkemus. Og han drakk skamløst. Til tross for et lykkelig ekteskap. Hans kone beundret talentet hans og gjorde alt for ektemannens suksess.

Men Pollock var opprinnelig en ødelagt personlighet. Fra ungdommen var det klart av hans handlinger at tidlig død var hans lodd.

Dette bruddet som et resultat vil føre ham til døden i en alder av 44. Men han vil ha tid til å gjøre en revolusjon innen kunsten og bli berømt.

Og han gjorde det i en periode på to år med nøkternhet. Han var i stand til å arbeide fruktbart i 1950-1952. Han eksperimenterte lenge til han kom til dryppteknikken.

Han la ut et enormt lerret på gulvet i skuret sitt og gikk rundt det, liksom på selve bildet. Og sprayet eller bare helte maling.

Disse uvanlige maleriene begynte å bli kjøpt villig fra ham for deres utrolige originalitet og nyhet.

Pollock ble lamslått av berømmelse og falt i en depresjon, uten å forstå hvor han skulle gå videre. Den dødelige blandingen av alkohol og depresjon ga ham ingen sjanse til å overleve. En gang satte han seg bak rattet veldig full. Sist.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Bare i et land med en slik konsumkult, som i Amerika, kunne popkunst bli født. Og dens viktigste initiativtaker var selvfølgelig Andy Warhol.

Han ble berømt for å ta de mest vanlige ting og gjøre dem om til et kunstverk. Det var det som skjedde med Campbells suppeboks.

Valget var ikke tilfeldig. Warhols mor matet sønnen sin med denne suppen hver dag i over 20 år. Selv da han flyttet til New York og tok med seg moren.

Etter dette eksperimentet ble Warhol interessert i silketrykk. Siden den gang har han tatt bilder av popstjerner og malt dem i forskjellige farger.

Slik så hans berømte malte Marilyn Monroe ut.

Et mylder av slike Marilyn-syrefarger ble produsert. Art Warhol satt på stream. Som forventet i et forbrukersamfunn.

Malte ansikter ble oppfunnet av Warhol av en grunn. Og igjen, ikke uten påvirkning fra moren. Som barn, under en langvarig sykdom av sønnen hennes, dro hun ham pakker med fargebøker.

Denne barndomshobbyen vokste til noe som ble hans visittkort og gjorde ham fabelaktig rik.

Han malte ikke bare popstjerner, men også mesterverkene til sine forgjengere. Fikk det og "Venus" Botticelli.

Venus, som Marilyn, har gjort mye. Eksklusiviteten til et kunstverk «slettes» av Warhol til pudder. Hvorfor gjorde kunstneren dette?

Å popularisere gamle mesterverk? Eller omvendt prøve å devaluere dem? For å forevige popstjerner? Eller krydre døden med ironi?

Hans malte verk av Madonna, Elvis Presley eller Lenin er noen ganger mer gjenkjennelige enn originalbildene.

Men mesterverkene kommer neppe i skyggen. Likevel forblir den opprinnelige "Venus" uvurderlig.

Warhol var en ivrig festdeltaker og tiltrakk seg mange utstøtte. Rusmisbrukere, mislykkede skuespillere eller bare ubalanserte personligheter. En av dem skjøt ham en gang.

Warhol overlevde. Men 20 år senere, på grunn av konsekvensene av et sår han en gang hadde pådratt seg, døde han alene i leiligheten sin.

USAs smeltedigel

Til tross for den korte historien til amerikansk kunst, er utvalget bredt. Blant amerikanske kunstnere er det impresjonister (Sargent), og magiske realister (Wyeth), og abstrakte ekspresjonister (Pollock), og pionerer innen popkunst (Warhol).

Vel, amerikanere elsker valgfrihet i alt. Hundrevis av kirkesamfunn. Hundrevis av nasjoner. Hundrevis av kunstretninger. Det er derfor han er USAs smeltedigel.

*Tonalisme - monokrome landskap av grå, blå eller brune nyanser, når bildet er som i en tåke. Tonalisme regnes som en utløper av impresjonisme, da den formidler kunstnerens inntrykk av det han så.

***

kommentarer andre lesere se nedenfor. De er ofte et godt tillegg til en artikkel. Du kan også dele din mening om maleriet og kunstneren, samt stille forfatteren et spørsmål.

Engelsk versjon av artikkelen