Kunstarkiv Utvalgt kunstner: Ann Kullough

Møt kunstneren fra kunstarkivet. En kunstner av visuelt tiltalende stilleben og landskap, streber Anne etter å illustrere mer enn man kan se. Hennes dynamiske stil fengsler seerne, og får dem til å se to ganger på vanlige scener og objekter.

Denne lidenskapen driver arbeidet hennes og driver igjen hennes utmerkede lærerkarriere og populære sosiale medier-kontoer. Fra å promotere verkstedene hennes i siste liten til å vise frem teknikkene hennes, viser Ann på en mesterlig måte hvordan undervisning og sosiale medier utfyller en kunstforretningsstrategi.

Hun tror at det å selge arbeid bare er begynnelsen, deler hun sine markedsføringstips på sosiale medier og hva hun lærer elevene om hvordan man kan være en artist utenfor skolen.

Vil du se mer av Annas arbeid? Besøk henne.

Gå inn i (og utenfor) kunstnerens atelier.

1. STILLEIV OG LANDSKAP ER GRUNNLEGGENDE I DINE VERK. HVA INSPIRERER DEG VEDRØRENDE DISSE TEMAENE OG HVORDAN KOM DU TIL Å FOKUSERE PÅ DEM?

Jeg finner visuelt interessante ting som kanskje ikke har visuell betydning. Jeg ser på verden med et abstrakt syn. Jeg jobber likt uansett tema. Siden jeg foretrekker å tegne fra livet fremfor fra fotografier, velger jeg ofte stilleben som motiv. Jeg bruker også stilleben som et middel til å lære elevene mine viktigheten av direkte observasjon (å jobbe fra livet) som et middel til å utvikle et trent øye.

Jeg ser på hva jeg kan få fra hver vare, ikke bare hva den er. Jeg vil skape noe som er fint å se på; noe spontant, livlig, som får øyet til å bevege seg mye. Jeg vil at betrakteren skal se på det mer enn én gang. Jeg vil at arbeidet mitt skal vise mer enn hva det er.

Jeg har tegnet siden jeg var barn, studert kunst på college og har alltid sett på ting rent visuelt. Jeg ser etter interessante former, belysning og alt som får meg til å ville se på et objekt en gang til. Det er dette jeg tegner. De er kanskje ikke unike eller nødvendigvis vakre, men jeg prøver å vise hva jeg ser i dem som gjør dem unike for meg.

2. DU JOBBER I DIVERSE MATERIALER (VANNFARGER, MUNN, AKRYL, OLJE, OSV.), SOM GJØR KUNST REALISTISK OG IMPRESSJONISTISK. HVILKE VERKTØY LIKER DU Å BRUKE OG HVORFOR?

Jeg liker alle miljøer for forskjellige bruksområder og av forskjellige grunner. Jeg elsker akvarell når det kommer til uttrykk. Jeg liker å få motivet riktig og deretter bruke farger, tekstur og streker for å ta det til neste nivå.

Akvarell er så uforutsigbar og så flytende. Jeg liker å se på det som en rekke reaksjoner når jeg registrerer hvert slag. I motsetning til de fleste akvarellister, tegner jeg ikke motivet mitt med blyant først. Jeg flytter malingen rundt for å lage bildene jeg vil ha. Jeg bruker heller ikke akvarellteknikk, jeg maler med pensel - noen ganger i en enkelt tone, noen ganger i farger. Det handler om å tegne emnet på papir, men samtidig være oppmerksom på hva mediet gjør.

Hvordan du bruker maling på lerret eller papir er like viktig, om ikke viktigere, enn emnet. Jeg synes kunstneren bør starte med stor struktur når det gjelder overordnet tegning og komposisjon, men de må bringe mer til bordet og vise betrakteren hvordan man oppfatter objektet.

Det som gjør noe unikt, det som gir deg lyst til å se på det, er uhåndgripelig. Det handler mer om gesten og øyeblikket enn de små, små detaljene. Dette er hele ideen om spontanitet, lys og vibrasjon som jeg ønsker å sette inn i arbeidet mitt.

3. HVORDAN VIL DU BESKRIVE METODEN DINE SOM ARTIST? FORETRUKER DU Å JOBBE I STUDIO ELLER Å VÆRE UTE?

Jeg foretrekker å alltid jobbe ut av livet når det er mulig. Hvis jeg er inne, tar jeg på meg et stilleben. Jeg tegner absolutt stilleben fra livet, for du ser mer. Dette er vanskeligere og trener øyet til å se hva du ser på. Jo mer du trekker fra livet, jo mer dybde vil du oppnå og bli en bedre tegner.

Jeg liker å jobbe på stedet når det er mulig fordi jeg liker å jobbe utendørs. Hvis jeg er innendørs, pleier jeg å skissere stykket mitt basert på undersøkelser gjort på stedet, kombinert med noen veldig raske fotografier. Men jeg stoler mer på forskning enn fotografier – fotografier er bare et utgangspunkt. De er flate og det nytter ikke å være der. Jeg kan ikke være der når jeg jobber med et stort stykke, men jeg skisserer i skisseboken min – jeg elsker akvarellskisser – og tar dem med til studioet mitt.

Å tegne fra livet er veldig viktig, spesielt for de som akkurat har begynt å tegne. Tegner du lenge, har du nok erfaring til å ta et bilde og gjøre det om til noe mer. En nybegynner kunstner går for en kopi. Jeg godkjenner ikke fotografering, og jeg synes kunstnere bør fjerne ordet "kopi" fra vokabularet sitt. Bilder er bare et utgangspunkt.

4. HVA HUSK SVAR HAR HAR DU ARBEIDET DITT?

Jeg hører ofte folk si: "Wow, dette er så levende, så lyst, det har ekte energi." Folk sier om bybildene mine: "Jeg kunne gå rett inn i bildet." Slike svar gjør meg veldig glad. Dette er egentlig det jeg vil si med arbeidet mitt.

Plottene er svært levende og fulle av energi - seeren bør ønske å utforske dem. Jeg vil ikke at arbeidet mitt skal se statisk ut, jeg vil ikke at det skal se ut som et fotografi. Jeg vil høre at det er «så mye bevegelse» i det. Hvis du beveger deg bort fra det, danner det et bilde. Ser du nøye etter er det en blanding av farger. Når du har verdiene og fargen på de rette stedene, er det der magien skjer. Det er det å male.

Du må forberede en notisblokk og blyant for disse smarte kunsttipsene (eller bokmerkeknappene).

5. DU HAR EN FLOTT BLOGG, OVER 1,000 INSTAGRAM-ABONENTER OG OVER 3,500 FACEBOOK-FANS. HVA PÅVIRKER INNLEGGENE DINE HVER UKE, OG HVORDAN HAR SOSIALE MEDIER HJELPT KUNSTBEDRIFTEN DIN?

Jeg skiller ikke undervisningen fra kunstvirksomheten min. Jeg ser på det som en integrert del av det jeg gjør. Jeg får en del av inntektene mine fra kurs og mesterklasser, den andre delen fra maleri. Denne kombinasjonen utgjør kunstvirksomheten min. Jeg bruker sosiale medier for å øke bevisstheten om arbeidet mitt, introdusere folk til det og nå ut til potensielle studenter.

Når jeg trenger en eller to personer til for å gjennomføre seminarene mine, legger jeg ut på Facebook. Jeg engasjerer vanligvis folk fordi jeg legger ut innlegg om fagene som undervises i klassen. Jeg har også folk som er potensielle samlere som kommer på utstillinger, så jeg målretter innleggene mine til regionen min og folk kommer. Det tiltrekker folk jeg ikke kjenner til å vise i området mitt og hjelper definitivt til å øke bevisstheten om arbeidet mitt.

Jeg har så mange innlegg på sosiale medier fordi hver gang jeg gjør en demo, legger jeg den ut. Det gir andre kunstnere og fremtidige studenter en idé om hva jeg underviser, hvordan jeg tilnærmer meg fag, og hvor mye arbeid som kreves for å bli en mester.

Mange nybegynnere gleder seg til å komme til et nivå der de vet hva de gjør. De spør når de skal være klare for utstillingen i galleriet. Det krever mye tid og konstant krefter å lage et verk før man vurderer galleriutstillinger. Jeg setter pris på hvor mye arbeid og innsats det virkelig krever.

Jeg legger også ut innhold som er lærerikt for andre artister som prøver å ta det til neste nivå. Dette peker dem i riktig retning og vekker interessen deres for å jobbe med meg i en fremtidig klasse.

Jeg holder blogginnleggene mine autentiske og positive - det er veldig viktig for meg. Det er mange ting som ikke er viktige for begynnende artister, så jeg ønsker å gi disse artistene det grunnleggende.

6. DU ER LÆRER I NEW JERSEY FINE ARTS CENTER, HUNTERDON KUNSTMUSEUM OG SENTERET FOR SAMTIDSKUNST. HVORDAN PASSER DETTE KUNSTBEDRIFTEN DIN?

Jeg gjør alltid demonstrasjoner og vurderer undervisning som en del av kunstvirksomheten min. Noen av mine beste tegninger kommer fra demonstrasjoner når jeg underviser elever.

Jeg elsker å demonstrere. Jeg er interessert i å gi elevene ferdighetssett som de kan bruke på egenhånd. Du får mer ut av timene når fokus er på læring fremfor individuell tid i studio.

Jeg bruker mitt eget arbeid som eksempler. Jeg tar med meg elever på tur. Jeg starter hver leksjon med en demonstrasjon. Jeg har alltid et konsept som jeg fremhever i en demo, for eksempel komplementære farger, perspektiv eller komposisjon.

Jeg holder også mange friluftsverksteder, så jeg kombinerer verkstedet med noen dager med maling. I sommer underviser jeg i pasteller og akvareller i Aspen. Jeg vil bruke forskningen når jeg kommer tilbake til større prosjekter.

Jeg kan snakke og tegne samtidig, det forvirrer meg egentlig ikke. Jeg tror noen har problemer med dette. Det er viktig at demoen din gir mening. Snakk om det og ha det i bakhodet for å holde fokus. Pass på at dette er et veldig viktig poeng i det du gjør. Selvfølgelig, hvis jeg jobber med en kommisjon, vil jeg ikke gjøre det i timen. Jeg gjorde noen av de store bitene i klassen og laget små biter for salg. Skal du undervise må du kunne det. Studenter som studerer kunst er visuelle elever.

7. HVA ER FILOSOFIEN DIN SOM LÆRER OG LEKSJON NUMMER ÉN VIL DU AT ELEVENE DINE SKAL LÆRE UT?

Vær autentisk. Ikke prøv å være noen andre enn deg selv. Hvis du har noe som er en styrke, gjør det meste ut av det. Hvis det er områder der du er svak, ta tak i dem. Meld deg på tegnekurs eller fargeblandingsverksted. Erkjenne det faktum at du må bekjempe svakhetene dine og gjøre så godt du kan med dem.

Vær tro mot det som begeistrer deg. Jeg elsker å tegne og jeg elsker abstrakt maleri, men jeg ser aldri for meg selv å bli en ren abstrakt kunstner fordi jeg elsker å tegne for mye. Dette er en viktig del for meg som kunstner.

Ikke bestem deg for hva du vil tegne mer realistisk for å øke salget hvis det ikke er det du ønsker. Tegn det som driver deg og begeistrer deg mest. Noe mindre enn dette er ikke ditt beste arbeid.

Arbeid med dine svakheter og bygg videre på dine styrker. Gå etter det du virkelig bryr deg om og lykkes med det. Ikke endre for å glede markedet fordi du aldri kan glede alle. Derfor gjør jeg ikke så mange bestillinger. Jeg vil ikke tegne et bilde av en annen person og sette navnet mitt på det. Hvis du ikke er interessert i å tegne noe, ikke gjør det. Bedre å gå fra ham enn å risikere å ødelegge ryktet ditt som artist.

Interessert i å lære mer av Ann Kullough? .