Kunstarkiv Utvalgt kunstner: Lawrence W. Lee

Møt kunstneren fra kunstarkivet. Lawrence er en ekte original, mest kjent for sine særegne sjamanistiske bilder, og maler for fans av sørvestlig kunst i studioet sitt i Arizona. Det sterke, umiddelbart gjenkjennelige merket er ikke tilfeldig. Denne kunnskapsrike forretningsmannen forstår sitt publikum og går for å møte deres smak. Lawrences arbeid gjenspeiler fargene og temaene i det amerikanske sørvesten i all sin mystikk og magi. Denne smarte, strategiske tilnærmingen til kunst har gjort det mulig for Lawrence å tjene til livets opphold utelukkende som kunstner siden 1979, og solgt malerier for millioner av dollar.

Lawrence er en uendelig kilde til uvurderlig kunstkarriereråd, og deler hvordan han lager kunsten som kjøpere vil ha, enten det er ved å undersøke kundebasen nøye eller utvikle stilen hans etter hvert som markedet endrer seg.

Vil du se mer av Lawrence W. Lees arbeid? Besøk den.

1. BILDER AV SHAMANER OG BILDER AV DET SØRVEST I AMERIKA I DINE VERK. HVOR FÅR DU INSPIRASJON FRA OG HVORDAN PÅVIRKER STILENE DU BO PÅ STILEN DIN?

Jeg har bodd mesteparten av livet mitt i Tucson, Arizona. Jeg flyttet hit da jeg var 10 år gammel og gikk på college ved Northern Arizona University. Der fikk jeg vite litt om Navajo- og Hopi-kulturen. Da jeg var hovedfagsstudent, var samboeren min en Hopi som ble født i Second Mesa og fortsatt hadde kone og barn. Fra tid til annen satte han og jeg oss inn i den gamle pickupen hans og kjørte gjennom slettene i Nord-Arizona i de tåkete tidlige morgentimer gjennom de mest magiske stedene. Kona hans var snill nok til å dele historier fra Hopi-tradisjonen med meg, for eksempel historien om edderkoppkvinnen som lærte folk å veve. Jeg vet ikke om det var den direkte årsaken til det jeg gjør, men jeg vil aldri glemme følelsen som strømmet gjennom meg da vi kjørte gjennom disse ørkenveistrekningene med lilla mesas i det fjerne, som den første gylne nyansen av solen. begynte å invadere våre omgivelser. Bildet er så sterkt at det har fulgt meg i flere tiår.

Da jeg først begynte å vise kunsten min, tegnet jeg bilder av mennesker. Jeg trodde jeg gjorde gode ting, men folk på kunstutstillinger sa: "Hvorfor skulle jeg ha noen jeg ikke kjenner hengende på veggen min?" Så mye som jeg kranglet, kunne jeg bare ikke selge maleriet. Jeg husker – gjennom tiårenes dis – at jeg var i stuen min og beklaget denne triste tingenes tilstand og så på et profilbilde av en kvinne jeg fikk fra et galleri. Jeg var i sørvest, så jeg bestemte meg for å legge litt sørvest på bildet. Jeg satte pennen i håret hennes og tok maleriet med tilbake til galleriet. Selges på en uke. Lærdommen fra denne hendelsen var at bildet ble ettertraktet - så snart jeg la til noe som amerikanske indianere. Jeg innså at folk som kommer til Tucson, enten de er på besøk eller bor, har mye med amerikansk indisk kultur å gjøre. Jeg måtte ta en avgjørelse nå som jeg fant ut at jeg kunne gjøre et uønsket maleri til en del av en romantisert kultur som folk kunne ta med seg hjem. Jeg måtte innfinne meg om jeg ville følge denne veien eller ikke, og bestemte meg for at det var verdt det. Ved å legge til fjær, perler og beinkjeder, kunne jeg tegne bilder av menneskene jeg ønsket å tegne, og det virket som en liten pris å betale. Utstyr forbedret figurene jeg laget og ble en integrert del av min tenkning om disse figurene, og ikke bare et middel til å øke lønnsomheten. Jeg har tjent gode penger siden 1979 og har solgt malerier for millioner av dollar.

2. DET MESTE AV ARBEIDET ER EN Uklarhet MELLOM REALISME OG ABSTRAKSJON. HVORFOR BLANDER DU ELEMENTENE OG HVORDAN OPPDATTTE DU DIN FORSKJELLIGE STIL?

Jeg gikk på college på 1960-tallet, og på 1960-tallet, hvis du forberedte deg på en Bachelor of Fine Arts-grad, ble det forventet at du skulle gjøre abstrakt eller ikke-objektivt arbeid. Det figurative verket ble oppfattet som antikvarisk, det var ikke moderne nok. Alt som måtte sies om menneskeskikkelsen var allerede sagt og betydde ikke lenger. Jeg trakk fra livet som alle andre, men gjorde ikke noe nevneverdig figurativt arbeid fordi jeg ville bli latterliggjort i klassen og ikke få graden min. Men umiddelbart etter endt utdanning fikk jeg et oppdrag fra hovedbibliotekaren ved Northern Arizona University om å lage seks malerier til et nytt bibliotek under bygging. Jeg hadde nettopp fullført min Bachelor of Arts og trengte ikke å bekymre meg for å glede professoren, så jeg bestemte meg for å lage figurative bilder løst basert på Coleridges Kubla Khan-dikt.

Det var begynnelsen, og jeg tror jeg alltid har hatt en sær natur. Ettersom årene gikk, fikk figurene sitt eget liv. Strukturelt sett har de blitt anatomisk umulige figurer, som jeg kaller nærmest menneskelige. Jeg hadde nylig muligheten til å se på noen av tingene jeg gjorde på college og kort tid etter endt utdanning. Jeg ble overrasket over å se små sirkler, bobler, virvler, virvler og figurer i dem som var for høye og hadde for smale eller for brede skuldre. Jeg hadde ingen anelse om at disse ideene sivet inn i mitt kunstneriske sinn for alle disse årene siden. Jeg visste ikke at jeg sang den samme sangen hele denne tiden, bare la til nye ord og nye vers.

3. HVA ER UNIKT I DITT STUDIOROM ELLER KREATIVE PROSESS?

Det sies ofte at den viktigste linjen i en tegning er den første linjen, fordi alt annet er knyttet til den. Jeg bruker en liten stav med vintrekull. Vintreet blir ikke til aske, men blir til en kullstav når det brennes, hvis det ikke er nok oksygen til fullstendig forbrenning. Jeg brukte andre materialer, men begynte å bruke denne på college. Jeg bruker den til å lage den første linjen og til slutten av tegningen. Hvis noen kom om natten og stjal kullet mitt fra vintreet, ville jeg ikke kunne male et annet bilde. Dette er verktøyet jeg kjenner best. Når du bruker noe i flere tiår, blir det en forlengelse av deg selv.

Når ting endrer seg, som når lerretsprodusenter bytter bomullsleverandør, eller når de strekker lerretet annerledes eller bruker en ny primer, tar det meg uker å tilpasse meg, og noen ganger klarer jeg det ikke. Noen ganger må jeg pusse det ned eller legge flere lag med gips. I årevis har jeg brukt samme pensel, nummer og stil for å signere navnet mitt på maleriene mine. Det var en forlengelse av hånden min. Da jeg begynte å male igjen etter pensjonisttilværelsen, fant jeg ikke de penslene lenger. Jeg har malt i to år nå, og det er fortsatt vanskelig for meg å skrive navnet mitt fordi penselen ikke lenger er den samme. Det gjør meg gal. Jeg skisserer også - ved hjelp av en tørr børste som etterlater litt e-farge i vevens daler. Dette er virkelig skrubbing, og når du skrubber med en børste, mister du meningen. Han slites ut. Børstene jeg liker best er perfekte for meg. Hvis jeg måtte begynne med spisse sprettbørster, ville jeg ikke klart det jeg gjør.

4. DU TJENER BÅDE BOLIG- OG OFFENTLIG KUNSTKJØPER. HVORDAN PÅVIRKER DET KARRIEREN DIN OG HVORDAN BRUKK DU I OFFENTLIG KUNST?

Separasjonen av offentlig og privat på nettstedet mitt er et design som jeg bestemte meg for å bruke for noen måneder siden, til tross for at selskaper og bedrifter har kjøpt arbeidet mitt i årevis. IBM kjøpte seks av mine stykker på midten til slutten av 1970-tallet. Mange selskaper og offentlige steder har kjøpt dem. Kjøpere måtte være veldig modige fordi maleriene mine er intense og konfronterende. Jeg lærte på college at du ikke bør sentrere komposisjonen din eller bruke svart. Men jeg måtte ignorere disse reglene slik at jeg kunne gjøre det som var i hodet mitt - disse konfronterende skapningene. På 1970-tallet, da karrieren min tok av, var mitt viktigste klientell de egensindige, veldig rike og veldig egenrådige eiendomsutviklerne i sørvest. De kjøpte ofte maleriene mine og plasserte de sterkeste av dem ved bordet deres for å øke deres makt og skremme alle som sto foran bordet. På begynnelsen av 1980-tallet var det en spare- og kredittkrise, som bankkrisene vi nettopp opplevde. Folk spilte raskt og uforsiktig etter reglene. Plutselig var disse mangemillionærutviklerne pengeløse og på flukt fra justisdepartementet.

Plutselig forsvant salget mitt nesten. Men jeg visste at pengene ikke hadde blitt av noen steder: noen andre hadde dem. Og jeg bestemte meg for at nå skulle det være i hendene på utviklernes advokater. Så jeg tenkte på hva advokater vil ha på kontorene sine. De vil ha noe som ser mot en lys fremtid og et stort oppgjør. Jeg gjorde mitt beste for å tilfredsstille mitt imaginære ønske fra advokatenes side og snudde tallene mine. Jeg tegnet dem fra baksiden. Jeg kunne gjøre det fordi alle typer indiske seremonier involverer fantastiske kostymer. De ventet tydeligvis på noe, og det skulle være en lys fremtid. Så snart jeg gjorde det, begynte maleriene mine å selge igjen. Etter noen år og etter at nok folk spurte, fikk jeg tilbake tallene mine.

5. HVORFOR BEGYNTE DU Å MALERE LANDSKAP OG STILLEIV ETTER DE NESTEN EKSKLUSIVT MALTE SJAMANENE?

Mine malerier er veldig intense og nesten alle har konfronterende øyekontakt. I mange tilfeller tror folk ikke at de egner seg for offentlige rom, så for første gang på 40 år holder jeg på med landskap igjen. Jeg oppdaget deler av meg selv som jeg måtte fortrenge da jeg forfulgte en karriere. Jeg må overbevise folk om at det er greit å elske Lawrence Lee, som ikke er en uttalt sjamanistisk kvasi-amerikansk indianer. Siden 1985 har jeg vært kunstner og medlem av den private Mountain Oyster Club. Det ble grunnlagt i 1948 av en gruppe velstående unge polospillere som bestemte seg for at de måtte eie sitt eget sted. De elsket sørvestlig kunst, spesielt cowboykunst. De startet en årlig kunstutstilling for å samle inn penger, og den ble så vellykket at den tiltrakk seg noen av Sørvestlandets fineste kunstnere og cowboyer. Hvis du ikke hadde jobb på MO, var du ingenting.

På 1980-tallet forlot eller døde de fleste av grunnleggerne, og en fyr bestemte seg for hvem som skulle delta i showet. Du måtte komme inn i denne fyrens synsfelt så han kunne ringe deg og komme til studioet ditt. På dette tidspunktet vil han ta den endelige avgjørelsen. De har et årlig show som fortsatt er veldig bra, men mest cowboyarbeid. Men arbeidet mitt har alltid vært for stort og for rart. Jeg skjønte aldri hvorfor han bestemte seg for å slippe meg inn. Så i år bestemte jeg meg for å gjøre noen helt spesielle ting for folkene som går til MoD hvert år. Det fikk meg til å tenke på støvler og sporer. Jeg må bruke min kunstneriske evne til akkurat dette emnet. I alle disse delene tar jeg en delmengde av de større formene. Jeg kan fokusere på bunnen av støvelen, stigbøylen eller spordelen av salen fordi jeg tror det. Jeg prøver vanligvis å innlemme litt kognitiv dissonans i arbeidet mitt, som en boble eller en sommerfugl, og jeg vet aldri hva som kommer til å dukke opp neste gang. Å gå inn i dette feltet var en forretningsbeslutning og ble født ut av troen på at jeg sent i karrieren kunne male gode bilder som ikke var sjamanistiske.

6. DIN KUNST ER SAMLET OVER HELE VERDEN PÅ STEDER SOM JAPAN, KINA OG OVER HELE EUROPA. HVILKE SKRITT GJORDE DU FOR Å SELGE KUNST UTENFOR USA OG FÅ INTERNASJONAL ANERKJENNELSE?

I det store og hele trengte jeg ikke å ta et eneste skritt utenfor Tucson for å gjøre dette, fordi dette er et sted for reisende fra hele verden i seg selv. Arizona har Monument Valley, Grand Canyon og Old Pueblo. Folk kommer hit fra hele verden og vil ha med seg litt magi hjem, så kunsten min er perfekt. Jeg finner ut av gallerier eller venner av venner at en utenlandsk samler har et av mine verk. Noen vil si: "Forresten, dette galleriet sender et av verkene dine til en person i Shanghai." I stor grad var det det som skjedde. Jeg hadde et soloshow i Paris, men selv det var fordi en motedesigner fra Paris som var på ferie i Tucson tok kontakt med meg fordi hun ville vise arbeidet mitt der.

7. DU HAR VÆRT PÅ ET IMPONERENDE ANTALL STORE UTSTILLINGER. HVORDAN FORBERER DU DU TIL DISSE ARRANGEMENTET OG HVILKE RÅD GIR DU ANDRE ARTISTER?

En ting som mange kunstnere ikke forstår er at folk vanligvis ønsker å kjøpe kunst som vil bo hjemme hos dem. I områder utenfor New York, Los Angeles, Brussel, etc., hvis du lager et stykke høykonseptkunst som er en erklæring om menneskelig devolusjon representert av gummierte skumormer hengt opp fra taket over babybassenger fylt med kunstig søtet kaffe. , vil du sannsynligvis ikke finne noen til å kjøpe den til hjemmet deres. Du må forstå at hvis du vil tjene til livets opphold med denne typen ting, må du flytte til en by som aksepterer denne typen kunst. Mitt råd: se på kunsten din som om du var en potensiell kjøper. Hvis du gjør dette, vil du kunne forstå mye.

For mange år siden var jeg på utstilling i San Francisco og kunne ikke selge noe. Jeg var deprimert til jeg tenkte på det og gjorde en grundig research. Jeg fant ut at i de fleste husene som var eid av folk som kunne kjøpe arbeidet mitt, var veggene for små til det. Hvis jeg bodde i San Francisco, ville jeg vite dette nesten instinktivt. Hvis jeg bor i et tre-etasjers gammelt viktoriansk hus nær Union Square, hva slags ting vil jeg ha på veggene mine? I Tucson vil de fleste ha ting med en sørvestlig stil på veggene, med mindre de er født og oppvokst i Boston og vil ha med seg seilbåtene sine. Det er viktig å kjenne til stedene hvor potensielle kjøpere bor. Hvis du er en potensiell kjøper, hva vil du vite om artisten? Hvis du har spørsmål om en artist, vil dine potensielle kjøpere ha de samme spørsmålene om deg. Med andre ord, gjør ditt beste for å finne ut hva dine potensielle kunder vil ha og prøv å gi det til dem.

Vil du organisere og utvide kunstvirksomheten din og få flere råd om kunstkarriere? Abonner gratis