Lineært perspektiv i maleri. Hovedhemmeligheter
Innhold:
De aller fleste malerier og fresker i løpet av de siste 500 årene har blitt laget etter reglene for lineært perspektiv. Det er hun som hjelper til med å gjøre 2D-rom til et 3D-bilde. Dette er hovedteknikken som kunstnere skaper en illusjon av dybde. Men langt fra alltid fulgte mesterne alle reglene for perspektivkonstruksjon.
La oss ta en titt på noen få mesterverk og se hvordan kunstnere bygde rom gjennom lineært perspektiv til forskjellige tider. Og hvorfor brøt de noen ganger noen av reglene hennes.
Leonardo da Vinci. Det siste måltid
Under renessansen ble prinsippene for direkte lineært perspektiv utviklet. Hvis før det bygde kunstnere rom intuitivt, etter øye, så lærte de på XNUMX-tallet hvordan de kunne bygge det matematisk nøyaktig.
Leonardo da Vinci på slutten av XNUMX-tallet visste allerede godt hvordan man bygger plass på et fly. På fresken hans «The Last Supper» ser vi dette. Perspektivlinjer er enkle å tegne langs linjene i taket og gardinene. De kobles sammen ved ett forsvinningspunkt. Gjennom samme punkt passerer horisontlinjen, eller øyelinjen.
Når den virkelige horisonten er avbildet på bildet, passerer øyelinjen bare ved krysset mellom himmel og jord. Samtidig er det oftest i området med ansiktene til karakterene. Alt dette observerer vi i Leonardos freske.
Forsvinningspunktet er i området for Kristi ansikt. Og horisontens linje går gjennom øynene hans, så vel som gjennom øynene til noen av apostlene.
Dette er en lærebokkonstruksjon av rom, bygget i henhold til reglene for DIRECT lineært perspektiv.
Og dette rommet er sentrert. Horisontlinjen og den vertikale linjen som går gjennom forsvinningspunktet deler rommet i 4 like deler! Denne konstruksjonen reflekterte verdensbildet fra den tiden med et sterkt ønske om harmoni og balanse.
Deretter vil en slik konstruksjon forekomme mindre og mindre. For kunstnere vil dette virke som en for enkel løsning. De bblås og forskyv den vertikale linjen med forsvinningspunktet. Og heve eller senke horisonten.
Selv om vi tar en kopi av verket til Raphael Morgen, opprettet ved overgangen til XNUMX- og XNUMX-tallet, vil vi se at han ikke kunne ... tåle en slik sentrisitet og flyttet horisontlinjen høyere!
Men på den tiden var det å bygge et rom som Leonardos et utrolig gjennombrudd i maleriet. Når alt er verifisert nøyaktig og perfekt.
Så la oss se hvordan rommet ble avbildet før Leonardo. Og hvorfor hans «Nattverd» virket noe spesielt.
antikk freskomaleri
Gamle kunstnere avbildet rommet intuitivt ved å bruke det såkalte observasjonsperspektivet. Derfor ser vi åpenbare feil. Tegner vi perspektivlinjer langs fasader og flater finner vi hele tre forsvinningspunkter og tre horisontlinjer.
Ideelt sett bør alle linjer konvergere på ett punkt, som ligger på samme horisontlinje. Men siden rommet ble bygget intuitivt, uten å vite det matematiske grunnlaget, ble det akkurat slik.
Men du kan ikke si at det gjør vondt i øyet. Faktum er at alle forsvinningspunktene er på samme vertikale linje. Bildet er symmetrisk, og elementene er nesten like på begge sider av vertikalen. Det er dette som gjør en fresco balansert og estetisk vakker.
Faktisk er et slikt bilde av rom nærmere naturlig oppfatning. Tross alt er det vanskelig å forestille seg at en person kan se på bybildet fra ett punkt, stå stille. Bare på denne måten kan vi se hva matematisk lineært perspektiv tilbyr oss.
Tross alt kan du se på det samme landskapet enten stående, eller sittende, eller fra balkongen til huset. Og så er horisontlinjen enten lavere eller høyere ... Dette er hva vi observerer på en antikk freskomaleri.
Men mellom den antikke fresken og Leonardos siste nattverd er det et stort lag med kunst. Ikonografi.
Plassen på ikonene ble avbildet annerledes. Jeg foreslår å ta en titt på Rublevs "Hellige treenighet".
Andrei Rublev. Den hellige treenighet.
Når vi ser på Rublevs ikon "Holy Trinity", legger vi umiddelbart merke til en funksjon. Objektene i forgrunnen er tydelig IKKE tegnet i henhold til reglene for direkte lineært perspektiv.
Hvis du tegner perspektivlinjer ved venstre fotskammel, vil de koble seg langt utenfor ikonet. Dette er det såkalte REVERSE lineære perspektivet. Når den andre siden av objektet er bredere enn den som er nærmere betrakteren.
Men perspektivlinjene til stativet til høyre vil aldri krysse hverandre: de er parallelle med hverandre. Dette er et AKSONOMETRISK lineært perspektiv, når objekter, spesielt ikke veldig langstrakte i dybden, er avbildet med sider parallelle med hverandre.
Hvorfor avbildet Rublev gjenstander på denne måten?
Akademiker B. V. Raushenbakh på 80-tallet av XX-tallet studerte funksjonene til menneskelig syn og trakk oppmerksomhet til en funksjon. Når vi står veldig nært et objekt, oppfatter vi det i et litt omvendt perspektiv, ellers merker vi ingen perspektivendringer. Dette betyr at enten den siden av objektet som er nærmest oss virker litt mindre enn den fjerneste, eller at sidene ser ut til å være de samme. Alt dette gjelder også observasjonsperspektivet.
Forresten, dette er grunnen til at barn ofte tegner gjenstander i omvendt perspektiv. Og de oppfatter også tegneserier med en slik plass lettere! Du ser: gjenstander fra sovjetiske tegneserier er avbildet på denne måten.
Kunstnere gjettet intuitivt om denne funksjonen ved visjon lenge før Rauschenbachs oppdagelse.
Så, mesteren av XIX århundre bygde plassen, ser det ut til, i henhold til alle reglene for direkte lineært perspektiv. Men vær oppmerksom på steinen i forgrunnen. Det er avbildet i et lett omvendt perspektiv!
Kunstneren bruker både direkte og omvendte perspektiver i ett verk. Og generelt sett gjør Rublev det samme!
Hvis forgrunnen til ikonet er avbildet innenfor rammen av et observasjonsperspektiv, er bygningen i bakgrunnen av ikonet avbildet i henhold til reglene for ... direkte perspektiv!
Som den gamle mesteren jobbet Rublev intuitivt. Derfor er det to linjer med øyne. Vi ser på søylene og inngangen til portikken fra samme nivå (øyelinje 1). Men på takets del av portikken - fra den andre (øyelinje 2). Men det er fortsatt et direkte perspektiv.
Nå spol frem til 100-tallet. På dette tidspunktet hadde lineært perspektiv blitt veldig godt studert: mer enn XNUMX år hadde gått siden Leonardos tid. La oss se hvordan det ble brukt av kunstnerne fra den tiden.
Jan Vermeer. Musikktime
Det er tydelig at kunstnerne på XNUMX-tallet allerede mesterlig mestret lineært perspektiv.
Se hvordan høyre side av maleriet av Jan Vermeer (til høyre for den vertikale aksen) er mindre enn venstre?
Hvis den vertikale linjen i Leonardos siste nattverd er nøyaktig i midten, så skifter den allerede til høyre i Vermeer. Derfor kan perspektivet til Leonardo kalles CENTRAL, og Vermeer - SIDE.
På grunn av denne forskjellen ser vi i Vermeer to vegger i rommet, i Leonardo - tre.
Faktisk, siden XNUMX-tallet har lokaler ofte blitt avbildet på denne måten, ved hjelp av et LATERALT lineært perspektiv. Derfor ser rom eller haller mer realistiske ut. Leonardos sentralitet er mye sjeldnere.
Men dette er ikke den eneste forskjellen mellom perspektivene til Leonardo og Vermeer.
I Nattverden ser vi direkte på bordet. Det er ingen andre møbler i rommet. Og hvis det var en stol på siden, kastet på skrå mot oss? Faktisk, i dette tilfellet, ville de lovende linjene gå et sted utenfor fresken ...
Ja, i alle rom er alt som regel mer komplisert enn Leonardos. Derfor er det også et ANGULAR perspektiv.
Leonardo har det rent FRONTALT. Skiltet er bare ett forsvinningspunkt, plassert innenfor bildet. Alle perspektivlinjer møtes i den.
Men på Vermeers rom ser vi en stående stol. Og hvis du tegner lovende linjer langs setet hans, vil de koble seg et sted utenfor lerretet!
Og vær nå oppmerksom på gulvet på Vermeers arbeid!
Hvis du tegner linjer langs sidene av rutene, så vil linjene konvergere ... også utenfor bildet. Disse linjene vil ha sine egne forsvinningspunkter. Men! Hver av linjene vil være på samme horisontlinje.
Dermed forbinder Vermeer frontperspektivet med det kantete. Og stolen vises også ved hjelp av et vinkelperspektiv. Og perspektivlinjene konvergerer ved et forsvinningspunkt på en enkelt horisontlinje. Så matematisk vakkert!
Generelt, ved å bruke horisontlinjen og forsvinningspunktene, er det veldig enkelt å tegne et hvilket som helst gulv i et bur. Dette er det såkalte perspektivnettet. Det viser seg alltid veldig realistisk og effektivt.
Og det er fra denne etasjen det alltid er lett å forstå at bildet ble malt før Leonardos tid. For uten å vite hvordan man bygger et perspektivnett, ser det alltid ut til at gulvet beveger seg et sted. Generelt ikke veldig realistisk.
La oss nå gå videre til det neste, XNUMX-tallet.
Jean Antoine Watteau. Skilt til Gersins butikk.
På XNUMX-tallet ble det lineære perspektivet mestret til perfeksjon. Dette er tydelig sett i eksemplet med Watteaus arbeid.
Perfekt designet plass. En fornøyelse å jobbe med. Alle perspektivlinjer kobles sammen ved ett forsvinningspunkt.
Men det er en veldig interessant detalj i bildet ...
Vær oppmerksom på boksen i venstre hjørne. I den legger en galleriarbeider et bilde til kjøperen.
Hvis du tegner perspektivlinjer langs de to sidene, vil de koble seg sammen på ... en annen linje med øyne!
Faktisk er den ene siden av den i en skarp vinkel, og den andre er nesten vinkelrett på øyelinjen. Hvis du så dette, vil du ikke kunne ignorere denne merkeligheten.
Så hvorfor gikk kunstneren til et så åpenbart brudd på lovene for lineært perspektiv?
Siden Leonardos tid har det vært kjent at lineært perspektiv kan forvrenge bildet av objekter i forgrunnen betydelig (der perspektivlinjer går til forsvinningspunktet i en spesielt skarp vinkel).
Dette er lett å se i denne tegningen fra XNUMX-tallet.
Basene til søylene til høyre er firkantede (med like sider). Men på grunn av den sterke helningen til linjene i perspektivnettet, skapes illusjonen om at de er rektangulære! Av samme grunn ser søylene, runde i diameter, til venstre ut som ellipseformede.
I teorien skal også de runde toppene av søylene til venstre forvrenges og bli til ellipsoider. Men kunstneren fremstilte dem som runde, med et observasjonsperspektiv.
På samme måte gikk Watteau på et brudd på reglene. Hvis han hadde gjort alt riktig, så hadde kassen vist seg å være for smal bak.
Dermed vendte kunstnerne tilbake til observasjonsperspektivet og fokuserte på hvordan motivet ville se mer organisk ut. Og bevisst gikk til noen brudd på reglene.
La oss nå gå til XNUMX-tallet. Og denne gangen la oss se hvordan den russiske kunstneren Ilya Repin kombinerte lineære og observasjonsperspektiver.
Ilya Repin. Ventet ikke.
Ved første øyekast bygde kunstneren plassen i henhold til den klassiske ordningen. Bare vertikalen er forskjøvet til venstre. Og hvis du husker, prøvde artister etter Leonardos tid å unngå overdreven sentrering. I dette tilfellet er det lettere å "plassere" heltene langs høyre vegg.
Legg også merke til at hodene til de to hovedpersonene, sønnen og moren, havner i perspektivvinkler. De er dannet av perspektivlinjer som går langs taklinjene til forsvinningspunktet. Dette understreker det spesielle forholdet og til og med, kan man si, forholdet mellom karakterene.
Og se også hvor smart Ilya Repin løser problemet med perspektivforvrengninger nederst i bildet. Til høyre plasserer han avrundede gjenstander. Dermed er det ikke nødvendig å finne på noe med hjørnene, da Watteau hadde med boksen sin å gjøre.
Og Repin gjør nok et interessant skritt. Tegner vi perspektivlinjer langs gulvbordene får vi noe rart!
De vil ikke bli med på et eneste forsvinningspunkt!
Kunstneren gikk bevisst for bruk av observasjonsperspektiv. Derfor virker plassen mer interessant, ikke så skjematisk.
Og nå flytter vi til det XNUMX. århundre. Jeg tror at du allerede gjetter at mesterne i dette århundret ikke sto spesielt på seremoni med plass. Vi vil bli overbevist om dette ved eksemplet på arbeidet til Matisse.
Henri Matisse. Rødt verksted.
Allerede ved første øyekast er det tydelig at Henri Matisse skildret rommet på en spesiell måte. Han avvek tydelig fra kanonene som ble dannet tilbake i renessansen. Ja, både Watteau og Repin gjorde også noen unøyaktigheter. Men Matisse forfulgte tydeligvis noen andre mål.
Det er umiddelbart tydelig at Matisse viser noen av objektene i direkte perspektiv (bord), og noen i revers (stol og kommode).
Men funksjonene slutter ikke der. La oss tegne perspektivlinjene til bordet, stolen og bildet på venstre vegg.
Og da finner vi umiddelbart TRE horisonter. En av dem er utenfor bildet. Det er også TRE vertikaler!
Hvorfor kompliserer Matisse ting så mye?
Vær oppmerksom på at stolen til å begynne med ser merkelig ut. Som om vi ser på den øvre tverrstangen på ryggen hans fra venstre. Og for resten av delen - til høyre. Se nå på elementene på bordet.
Retten ligger som om vi ser på den ovenfra. Blyantene vippes litt bakover. Men vi ser en vase og et glass fra siden.
Vi kan merke oss de samme raritetene i skildringen av malerier. De som henger ser rett på oss. Som bestefar-klokken. Men maleriene mot veggen er avbildet litt sidelengs, som om vi ser på dem fra høyre hjørne av rommet.
Det ser ut til at Matisse ikke ønsket at vi skulle kartlegge rommet fra ett sted, fra en vinkel. Han ser ut til å lede oss rundt i rommet!
Så vi gikk til bordet, bøyde oss over fatet og undersøkte det. Gikk rundt stolen. Så gikk vi bort til veggen og så på maleriene som henger. Så slapp de blikket til venstre, på verkene som sto på gulvet. Og så videre.
Det viser seg at Matisse ikke brøt det lineære perspektivet! Han skildret ganske enkelt rommet fra forskjellige vinkler, fra forskjellige høyder.
Enig, det er fascinerende. Som om rommet våkner til liv, omslutter oss. Og den røde fargen her forsterker bare denne effekten. Farger hjelper rommet med å trekke oss inn...
.
Det blir alltid sånn. Først lages reglene. Så begynner de å knekke dem. Først sjenert, så dristigere. Men dette er selvsagt ikke et mål i seg selv. Dette bidrar til å formidle verdensbildet fra hans tid. For Leonardo er dette ønsket om balanse og harmoni. Og for Matisse - bevegelse og en lys verden.
Om hemmelighetene til å bygge rom - i kurset "Dagbok for en kunstkritiker".
***
Spesiell takk for hjelpen med å skrive artikkelen til Sergey Cherepakhin. Det var hans evne til å håndtere nyansene i perspektivkonstruksjoner i maleriet som inspirerte meg til å lage denne teksten. Han ble hans medforfatter.
Hvis du er interessert i emnet lineært perspektiv, skriv til Sergey (cherepahin.kd@gmail.com). Han vil gjerne dele materialet sitt om dette emnet (inkludert maleriene som er nevnt i denne artikkelen).
***
Hvis presentasjonsstilen min er nær deg og du er interessert i å studere maleri, kan jeg sende deg en gratis leksjonsserie per post. For å gjøre dette, fyll ut et enkelt skjema på denne lenken.
kommentarer andre lesere se nedenfor. De er ofte et godt tillegg til en artikkel. Du kan også dele din mening om maleriet og kunstneren, samt stille forfatteren et spørsmål.
Online kunstkurs
Angielski versjon
***
Lenker til reproduksjoner:
Legg igjen en kommentar